Борис Тух: Краски и «Оскары» «Театральной осени»

В Центре русской культуры состоялся Международный фестиваль любительских театров и театральных студий «Театральная осень в Таллинне — 2024». Два дня, девять спектаклей из Литвы, Латвии, Эстонии и Швеции, многочисленная публика, бурные аплодисменты, крики из зала «Браво!»; не раз к отыгравшим спектакль актёрам подходили в фойе зрительницы и со слезами на глазах (поверьте, это не преувеличение и не штамп) говорили, что увиденное на сцене заставило их вновь вспомнить и пережить собственные радости и боли.

Борис Тух От 01/10/2024

Награды фестиваля. Правда, похожи на «Оскара»? Фото: «Театральная осень в Таллинне»

А в конце первого фестивального дня, во время капустника (точнее, визитных карточек коллективов-участников) возникло чувство единения, любви к своему делу, к тем, ради кого люди выходят на сцену, и друг к другу. И ощущение счастья — невзирая на все трудности, на препятствия, с которыми сталкиваются многие коллективы, невзирая на высказывания политических, извините за выражение, деятелей. Счастья от того, что пока ещё можно реализовать творческое начало в себе и друзьях — и идти своими путями. Очень разными. На фестивале были показаны и спектакли для широкой публики, и постановки, создатели которых ищут единственно возможный для раскрытия темы и своей позиции язык выразительных средств, экспериментируют — и, пусть не всегда, находят понимание и живой отклик.

За всё это, за творческую атмосферу, масштаб и за то, что достижения участников были отмечены призами, трогательно напоминавшими «Оскаров», — благодарность всем организаторам, в первую очередь — Fert theatre’y и его директору Марку Сеппу. Он со своей командой проводит «Театральную осень» только во второй раз — прежде в ЦРК проводились подобные фестивали, но пандемия ковида прервала эту традицию, а Fert theatre год назад её подхватил; прошлый фестиваль был не таким масштабным, однако сразу же дал понять, что традиция жива и требует продолжения!

Приглашён на фестиваль был и театральный коллектив из Израиля, но из-за войны небо закрылось, и всё же трое артистов иерусалимского «Иного театра» Илона Муравейник, Анна Палей и Вадим Шиф сумели кружными путями прорваться через блокаду и вне программы показать трейлер поставленного Павлом Дементьевым спектакля «Литургия белых клоунов» — очень мощного и эмоционально заразительного даже в таком формате перформанса, посвящённого погибшим в идущих сейчас войнах — и тем, кто был убит во время бесчеловечной бомбёжки в здании Мариупольского театра, и тем, кто погиб от рук озверелых хамасовцев.

Тревоги нашего времени отзывались эхом и в других спектаклях фестивальной программы.

Отсюда и в вечность

Режиссёр силламэяского театра-студии «Другое небо» Владимир Вайкерт поставил «Бред вдвоём» лет пять назад. С тех пор жизнь «Другого неба» стала намного сложнее, театр лишили помещения, которое его участники сами оборудовали и в котором выступали, теперь они ютятся в совершенно неприспособленном месте, зал вмещает 28 человек, как театр Вайкерта ухитряется выжить — загадка, и тем не менее он выживает. Рассчитанный на камерное пространство «Бред вдвоём» очень органично чувствовал себя на большой сцене ЦРК, актёров Наталью Борисову и Геннадия Тюлюкова было слышно даже из задних рядов зала (чего, к сожалению, нельзя сказать об исполнителях, игравших в некоторых других спектаклях фестиваля), а написанная более 60 лет назад пьеса и поставленный лет пять назад спектакль казались удивительно злободневными, созданными словно только вчера.

Вокруг квартиры его героев постоянно ведутся бои, мужчина и женщина стараются в этой обстановке выжить и по возможности не думать о войне, они спасаются бесконечным спором об улитке и черепахе и такими обычными, рутинными, семейными разборками, а в сознании постоянно: как бы уберечься, как бы не думать о войне. Они не знают, чья берёт верх; в одной сцене мужчина на всякий случай пытается надеть «арафатку», затем откладывает её, достаёт котелок с пришитыми к нему пейсами. Вайкерт сказал, что во время работы над постановкой ему эта идея пришла интуитивно, он не догадывался, что произойдёт в будущем — и то, что казалось абсурдистской деталью, вдруг стало отражением страшной реальности!

Cцена из спектакля «Бред вдвоём», театр «Другое небо». Фото: «Театральная осень в Таллинне»

Тема хрупкости и катастрофичности мира, в котором мы живём, нашла отражение и в построенном исключительно на пластике, на движении спектакле «Вечность» молодёжной театральной студии «Йорик» из латвийского города Резекне. Спектакль почти бессловесный, иногда его персонажи переходят на выдуманный несуществующий язык, а так как время и место действия — вечность, т. е. тот путь, который человечество проходит от своего зарождения до… хочется верить, что путь бесконечен, хотя иной раз с ужасом сомневаешься в этом, то возможно, что этот странный язык означает начало человеческой речи, попытки найти коммуникацию. Это не балет, это пластическая постановка, в которой драматический сюжет реализуется без опоры на слово, только жестом, телом, движением. Каждый этюд — словно страница из жизни человечества. Моменты жестокости. Моменты рабской покорности, когда на шеи артистов надевают исполнителей ярмо, и в рабскую покорность погружены и повелители, и их поданные. Момент катастрофы — взрыв, и уже после него актёры застывают, глядя в зал, и их немое послание мгновенно считывается: люди, не допустите, чтобы какой-нибудь облечённый властью подонок нажал кнопку ядерной войны! И моменты радости, любви, очень хрупкие, потому что в наши дни не чувствовать их хрупкость просто невозможно.

Ставила спектакль артистка резекнского театра «Йорик» Лариса Щукина; несколько лет худруком «Йорика» был Антон Киселюс; г-жа Щукина с восторгом говорила о том времени и просила передать Антону привет. Передаю.

Представительство театра «Йорик». Фото: Rēzeknes Nacionālo biedrību Kultūras nams

Спектакль детско-юношеского театра «Балаганчик» «Битвы по средам» начинался с учебной атомной тревоги (кто постарше, помнит учения по гражданской обороне, которую сокращённо не без иронии называли «ГрОб»), в основе спектакля лежала повесть американского писателя Гэри Шмидта, инсценированная Ольгой Варшавер. Время действия — вторая половина 1960-х, война во Вьетнаме. Она постоянно напоминает о себе извещениями о том, что муж одной из героинь погиб, муж другой — пропал без вести, но вообще-то тема повести — путь к познанию своего «я» подростка по имени Холинг Вудвуд, и тут явно не обошлось без влияния романа Дж. Д. Сэлинджера «Над пропастью во ржи», который открыл миру внутренний мир подростков, а подросткам открыл самих себя. Постановка произвела противоречивое впечатление. С одной стороны — уверенная, умная и твёрдая режиссура Юрия Зиновьева, выразительные мизансцены, искренность и неподдельная самоотдача юных актёров. Холинг Вудвуд (Олег Ярошенко) — тинэйджер на перепутье, ему кажется, что весь мир против него, в классе он изгой, учительница миссис Бейкер (Анастасия Щербакова), как кажется парнишке, гнобит его — на самом деле она старается открыть в нём то, что сам мальчик похоронил под кучей комплексов, предлагает ему прочесть Шекспира — и через шекспировских героев Холинг начинает понимать себя и мир. С другой стороны — невыстроенный и неряшливо скомканный сюжет, обрывающиеся или просто уходящие в никуда линии, режиссёр героически борется со слабостями постановки и очень часто выходит победителем, но, чтобы оценить усилия постановщика и актёров, надо прочитать книгу — тогда вы узнаете то, что в инсценировку, к сожалению, не вошло, но о чём, безусловно, помнили создатели спектакля.

Cцена из спектакля «Битвы по средам», театр «Балаганчик». Фото: «Театральная осень в Таллинне»

Тревоги нашего времени отразились и в спектакле, который возник в программе внезапно, оттого, что выпали из неё израильтяне. 30-минутная «Цена плоти» режиссёра «Латвийского театра протестной культуры» Кая Гэ — эскиз какого-то крупного замысла о судьбах беженцев, разбросанных пор Европе, простых людей, кого бесперспективность и нищета, кого война сдвинула с мест и заставила искать работу, самую тяжёлую, самую унизительную, но дающую кусок хлеба. Кай Гэ экспериментирует в поисках сконцентрированных, бьющих наотмашь по слишком успокоенному зрительскому сознанию, выразительных средств, для него театр — прежде всего механизм социального воздействия на зрителя и, конечно, огромная ответственность, нести которую надо внешне легко и непринуждённо. Спектакль становится полем сражения, риском, на который режиссёр идёт осознанно, не подстраиваясь под аудиторию, а вовлекая её в диалог.

«Как будто про меня»

Наверно, публика успела истосковаться по такому театру, который даст возможность и посмеяться, и поплакать, а когда актёры в третий или четвёртый раз под бурные аплодисменты выйдут на поклон, в зрительской душе шевельнётся: «А ведь это про меня, как будто мою жизнь рассказали. Я вот тоже никогда в жизни не была счастлива, как и героиня, а она вдруг на наших глазах обрела всё и сразу! Может, и мне счастье отломится!»

Если я иронизирую, то самую малость. Искренность и душевность в наше время в дефиците, и если человек, сидя в театральном зале, встретится с ними и обретёт в них поддержку, радоваться надо!

Из литовской Клайпеды приехал удивительный учительский театр «Перемена», который работает при Школе гуманной педагогики (уже прекрасно: мы-то на своём опыте сталкиваемся исключительно с различными вивисекциями над школьным образованием, а гуманность здесь и рядом не лежала). Все артисты — учителя. Учительница математики Майя Тараховская, она же известный драматург Ася Котляр, так объясняет название театра: «Может быть, ждать перемен не нужно, но и бояться тоже не следует. Они произойдут, хотим мы того или нет. Потому что школа — это структура постоянно обновляющаяся, живая. Поэтому театру мы и дали имя «Перемена». Своим названием мы, учителя, актрисы, говорим, что мы не боимся измениться, но при этом мы сделаем всё для того, чтобы изменить к лучшему пространство вокруг себя, иначе будет застой, а это страшно!»

«Перемена» привезла спектакль по пьесе Аси Котляр «Я нравлюсь себе такой» в постановке бессменного руководителя театра Галины Семёновой. Автор, уже под собственным именем, играет главную роль: женщины, которая ужасно страдает от того, что она не стройна, как лань, а наоборот, муж бросил её и ушёл к молоденькой, словом, полный облом — и героиня решается обратиться к психотерапевту. И тут начинается история, которая в афише названа лирической комедией, а на деле — сказка с очень счастливым концом. Майя Тараховская буквально купается в роли героини, потрясающе органична и правдива, остальные актёры тоже на высоте. И то, что героиня справляется со своими комплексами, со своей болью, с ощущением того, что она никому не нужна (ещё как нужна!), для очень многих зрительниц бальзам на душу.

Cцена из спектакля «Я нравлюсь себе такой», театр «Перемена». Фото: «Театральная осень в Таллинне»

Примерно в такой же ситуации (всё плохо, всё из рук валится, я в отчаянии) находится героиня «Сделки» (раквереский театр «Яблоко», пьеса М. Косого, режиссёр Ольга Жулай). Только здесь история вроде бы абсолютно недостоверная. На квартиру к героине (Елена Машина) заявляется странное, пугающе инфернальное, но явно не уверенное в себе существо, представляющееся как Агент (Алина Климова). Агент предлагает женщине купить её душу по сходной цене. Но героиня ни разу не была счастлива, а такие души даже там, откуда пришёл Агент, не принимаются: некондиционный товар. Женщина перебирает своё прошлое и постепенно начинает понимать, что она просто растерялась, что в ней бурлят жизненные силы, и она ещё сможет стать счастливой. Так что инфернальный пришлец, как ещё со времён «Фауста» положено, творит, сам того не понимая, благо. Тоже очень утешительная постановка, и за фантастической фабулой лежит вполне жизненная история.

Про очень жизненные истории, но в совсем другом ключе — постановка «Театра ЯРГ» из Кохтла-Ярве «Колесо — ещё не автомобиль» (режиссёр Наталья Кундозерова). По манере это нечто вроде «Театра.doc». Родительское собрание, на котором идёт речь о том, как добиться взаимопониманиями между родителями и подростками (и если сравнить с «Битвами по средам», то проблемы, в принципе, всюду одинаковы. Разница только в стиле подачи).

А о «Полианне» шведского русскоязычного объединения «Страницы старого альбома» мне сказать нечего. Сентиментальная история, которую неоднократно инсценируют (недавний и очень удачный пример — спектакль Русского кукольного театра) кого-то в зале затронула, кому-то показалась чем-то необычным, но… сохраняют люди в Швеции русский язык — и большое им спасибо!

В финале — «Отпад»

К стыду своему о театре «Отпад» из Кивиыли я до этих дней ничего не знал. А это очень незаурядная труппа, лауреат ряда фестивалей и — что самое главное — удивившая очень высоким профессиональным уровнем. Подумалось: каким-то образом в маленький город попали артисты, по разным причинам оставшиеся вне своих театров, собрались — и показали, что есть ещё порох в пороховницах. Оказывается: нет! Все они работают, играют на сцене в свободное время, а спектакль «Бесхребетность» по пьесе немецкого драматурга Ингрид Лауцунг готовили больше года. Сначала пригласили профессионального режиссёра (имя не названо), он дальше читки не пошёл и слинял, написав труппе прощальное письмо. Тогда за дело принялись актриса театра Наталия Чикул и хореограф Алёна Земляк — и на выходе оказалось яркое, жёсткое и очень точно попадающее в больные места социума произведение. Речь в нём идет о том, как в современном мире человек выхолащивается, лишается воли, приспособляется к вышестоящему начальству, теряет в конечном счёте чувство собственного достоинства, постоянно чего-то боится.

Пять актёров: Роман Смолов, Юрий Каннула, Наталия Чикул, Марина Каннула и Владимир Чикул играют служащих офиса; их персонажи друг друга не то чтобы ненавидят (слишком сильное чувство), но не доверяют ближнему, ожидают каждую секунду подвоха, а потому стараются опередить соперника, нанести удар первым.

Спектакль решён в эстетике постдраматического театра, здесь нет сквозного действия, нет психологии, стычки возникают как бы на ровном месте, конфликт не успевает созреть, сразу же переходя в физическое действие. И как свободно актёры владеют своим телом, с какой точностью соблюдают ритм! Офис, в котором происходит действие, становится моделью какого-то более крупного — а может быть, и континентального — социума, и становится ясно: несчастье современного человека в его конформизме, в готовности подчиниться авторитету (а ведь авторитет, как правило, дутый, но никому не хватает духа выкрикнуть: «А король-то голый!!). «Отпад» ставит диагноз нашему обществу, заставляет устыдиться нашего бессилия и готовности повиноваться всякой шушере, пролезшей во власть. И смелость мессиджа сочетается с точностью формы и верностью актёрской игры.